Colección Walter-Guillaume: el itinerario

«Antes de que se desatase la gran pasión por el arte negro, Paul Guillaume había reunido una colección de fetiches, al tiempo que se interesaba por artistas aún poco conocidos [...] como Modigliani, Soutine... No me refiero a su colección privada, en la que se podían admirar los lienzos más reveladores de Matisse, Derain, Henri Rousseau, Picasso... Murió prematuramente y pasó por esta vida como un meteoro.»

Así describía el marchante Ambroise Vollard a Paul Guillaume (1891-1934), un joven marchante formado y asesorado por Guillaume Apollinaire. El poeta, que en 1911 se fijó en este joven apasionado por el «arte primitivo», lo introdujo en los círculos artísticos de vanguardia y lo orientó a la hora de elegir obras para la apertura de su primera galería en 1914. Envuelto en un contexto paradójicamente dinámico en el campo de las artes durante la Primera Guerra Mundial, Paul Guillaume supo aprovechar con brillantez los gustos del poeta. Las dos grandes figuras tutelares del arte moderno francés, Henri Matisse y Pablo Picasso, que contrapuso en un famoso cara a cara en 1918, formaron el núcleo de una escuela moderna parisina.
A partir de ella, se perfilaron dos tendencias. Por un lado, figuras aisladas como Maurice Utrillo, Amedeo Modigliani o Chaïm Soutine esbozaron la idea de un «primitivismo moderno» representado por Le Douanier Rousseau y el arte africano y oceánico. Por otro lado, las obras de André Derain, Marie Laurencin o Picasso y Matisse en la década de 1920 marcaron un renacimiento del arte figurativo. Estas dialogan con obras tardías, redescubiertas, de maestros impresionistas como Paul Cézanne, Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir.

La colección del Museo de la Orangerie refleja así un momento preciso del arte moderno en París. El de la revista Les Arts à Paris, que Paul Guillaume fundó en 1918, y de las «representaciones modernistas» que tenían lugar en su galería, con recitales de los compositores Éric Satie, George Auric y Claude Debussy, lecturas de Blaise Cendrars y Apollinaire y presentaciones de pinturas metafísicas de Giorgio de Chirico.
Hasta su muerte en 1934, Paul Guillaume no dejó de recurrir a la tutela de Apollinaire, fallecido precozmente, para su proyecto de crear una colección y el primer museo de arte moderno:«Su pasión visionaria, su espíritu de cruzada, expresados con belleza lírica, su capacidad para conjugar un conocimiento profundo con un encanto lleno de gracia, lo convirtieron en uno de los más brillantes puntales de la obra incipiente.»

Chaïm Soutine nació en Smílavichy (imperio ruso, actual Bielorrusia) y se trasladó a París en 1913, donde entabló amistad con los artistas que vivían en Montparnasse, representantes de la «École de Paris», entre ellos los pintores Marc Chagall y Amedeo Modigliani y los escultores Jacques Lipchitz y Ossip Zadkine.

Tras pasar tres años en el sur de Francia, Soutine regresó a París en 1922 y conoció a Paul Guillaume. Este encuentro le proporcionaría a Soutine una fama que llegaría al otro lado del Atlántico. A través de Paul Guillaume, el coleccionista estadounidense Alfred Barnes, que planeaba crear un museo privado en Filadelfia abierto al público, descubrió la obra de Soutine y compró muchos de sus cuadros. El Museo de la Orangerie, con su colección de veintidós cuadros del artista, posee junto con la Barnes Foundation la mayor colección de obras de Soutine del mundo.

Este corpus es representativo de la obra del artista, que trabajó sus temas en series. En sus retratos, naturalezas muertas y paisajes, Soutine sometía cada motivo a violentas distorsiones que combinaban la intensidad expresionista de la pincelada con un lirismo atormentado. Sin embargo, bajo esta aparente impetuosidad formal, se refleja en la composición una solidez clásica. Influido por la pintura antigua, que estudió en el Louvre, Soutine se inspiró en ella a lo largo de toda su obra.

«Es alegre, es buena, es espiritual y tiene mucho talento. Es mi yo en versión femenina», dijo en 1912 el poeta Guillaume Apollinaire refiriéndose a Marie Laurencin.

Laurencin, que se formó en la Académie Humbert de París, fue una de las pocas mujeres pintoras que participó en los círculos de la vanguardia artística y literaria parisina, y que estuvo inicialmente influida por el simbolismo. El marchante Clovis Sagot le propuso su primera exposición en 1907, que Pablo Picasso visitó. En los estudios del Bateau-Lavoir de Montmartre, conoció a André Derain, Robert Delaunay y Henri Rousseau. Su singular estilo, caracterizado por un gran sintetismo, le granjeó la admiración de los pintores cubistas.

Alrededor de 1912, por mediación de Apollinaire, con quien compartió su vida, conoció a Paul Guillaume, que se convirtió en su marchante en los años 1920. En el período de entreguerras, su pintura cambió. Laurencin pintaba casi exclusivamente a mujeres, plasmando en sus cuadros una cierta imagen de feminidad a través de una paleta de tonos pastel. Sus pinturas tuvieron un gran éxito y la convirtieron en una destacada retratista de la alta sociedad. Su estilo evanescente y onírico se prestaba especialmente bien al arte de la escena y, en un intento modernista de romper las barreras entre las artes, trabajó en el diseño de decorados y vestuario, sobre todo para producciones de los Ballets Rusos que por aquel entonces dirigía Serge Diaghilev.

«Si tuviera que comparar la obra de Matisse con algo, elegiría la naranja. Al igual que ella, la obra de Henri Matisse es fruto de una luz deslumbrante(1).» En 1918, Paul Guillaume organizó en su galería la exposición Matisse-Picasso, una confrontación entre los dos campeones del arte moderno que marcó un hito en la historia del arte. Paul Guillaume quería crear una colección de referencia de arte moderno, por lo que adquirió grandes obras de gran radicalismo, como Les Baigneuses à la rivière (Bañistas en el río), que actualmente se encuentra en el Art Institute de Chicago, y Les Trois sœurs (Las tres hermanas), así como numerosos cuadros de Matisse de los años 1920.

Instalado en Niza en 1917, Matisse absorbió las enseñanzas de Pierre-Auguste Renoir, a quien visitaba:«Trabajé como un impresionista, analizaba en 1919, inspirándome directamente en la naturaleza, y luego busqué la concentración y una expresión más intensa tanto en las líneas como en el color». Este período en Niza, que duró casi diez años, supuso una etapa importante en la carrera creativa del artista, durante la cual transformó su piso de la place Charles-Félix en un auténtico estudio. En una larga serie de cuadros, Matisse representa el motivo de una modelo en la intimidad de un decorado oriental. Renovando el tema de la odalisca, buscaba confrontar el volumen de un cuerpo con los elementos de un decorado. Durante este período, también pintó muchos lienzos que representaban a una modelo en la intimidad de un dormitorio, con la ventana abierta al cielo del Mediterráneo.

(1) Guillaume Apollinaire, prefacio de la exposición Matisse-Picasso, 1918, Galerie Paul Guillaume.

«El arte de Derain está ahora impregnado de esa grandeza expresiva que podría calificarse de antigua. Esta procede de los maestros y también de las antiguas escuelas francesas [...], pero el arcaísmo del encargo está desterrado de su obra». En el prefacio del catálogo de la primera exposición que Paul Guillaume le dedicó al pintor en 1916, Guillaume Apollinaire hacía hincapié en el nuevo lugar que ocupaba el artista en el período de entreguerras.

Durante este período, Derain cambió profundamente su forma de pintar. Marcó distancias con la radicalidad del fauvismo, del que fue uno de los iniciadores en 1905, junto a Maurice de Vlaminck, Albert Marquet y Henri Matisse. Derain suavizó su paleta y se inspiró en los maestros antiguos. Durante mucho tiempo, la historiografía evocó un «regreso al orden» artístico, un fenómeno que se dio en la obra de muchos pintores de la época, tras la conmoción de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, sería más exacto hablar del regreso de Derain al clasicismo. El artista no tenía nada de reaccionario. Derain observaba atentamente las obras de Camille Corot, Gustave Courbet y Pierre-Auguste Renoir. Su arte tendía hacia un estilo de pintura sofisticado y refinado, en diálogo con el pasado.

Derain, que cuenta con veintiocho obras en el Museo de la Orangerie, es el artista mejor representado de la colección. Todas ellas pertenecieron a Paul Guillaume o pasaron por su galería, ya que el artista y el marchante firmaron un contrato de exclusividad en 1923 que no expiró hasta la repentina muerte del marchante en 1934. Profundamente afectado por la muerte de Paul Guillaume, Derain se retiró a su propiedad de Chambourcy y se alejó de la escena artística parisina.

«Utrillo es una gran apuesta», escribía Apollinaire a Paul Guillaume en septiembre de 1915. El marchante, que conocía su obra desde 1910 gracias al poeta Max Jacob, pronto siguió el consejo de su amigo y mentor y lo representó en su galería.
Maurice Utrillo nació en París, era hijo de Suzanne Valadon, pintora y modelo, y fue reconocido por el pintor catalán Miguel Utrillo. Su Montmartre natal, en el que vivió la mayor parte de su vida, le proporcionó el tema de cientos de cuadros. Recurriendo a menudo a postales, representó en numerosas ocasiones la iglesia de Clignancourt o la rue du Mont-Cenis, y animó sus austeras arquitecturas con pequeñas siluetas. El punto álgido de su carrera, de 1910 a 1914, conocido como el «período blanco», se caracterizó por los impastos blancos, aplastados con un cuchillo, a veces mezclados con yeso que por aquel entonces se fabricaba en la Butte Montmartre, y que él combinaba con sutiles tonos de pintura gris.

En 1922, Paul Guillaume le dedicó una exposición monográfica, en la que se mostraba un conjunto de treinta y cinco cuadros. Este acontecimiento marcó el comienzo del éxito para el artista, en un momento en el que estaba iniciando la transición a una pintura más colorista. El Museo de la Orangerie cuenta con una de las mejores colecciones de cuadros de Utrillo de Europa.

Juntos, Guillaume Apollinaire y Paul Guillaume contribuyeron a promover los objetos de arte africanos y a que se reconociera su valor estético. Estos objetos raros y «exóticos», considerados de formas muy diversas en función del contexto histórico, se han conservado en gabinetes de curiosidades desde el Renacimiento. Con el desarrollo de la etnología en el siglo XIX, se convirtieron en los testigos materiales de las culturas que se pretendía comprender y analizar. Los vanguardistas Paul Guillaume y Apollinaire los consideraban obras de arte por derecho propio. Los artistas de su entorno, Henri Matisse, André Derain y Pablo Picasso, los coleccionaban y se inspiraban en ellos. Apollinaire hizo campaña para que se incluyeran en las colecciones del Louvre.

En 1910, Paul Guillaume era un joven empleado de un taller de coches que exponía esculturas de Gabón y que llamó la atención de Apollinaire, que le presentó al anticuario Joseph Brummer y a Picasso. Guillaume, que se convirtió en marchante de arte, innovó presentando en su galería esculturas africanas junto a pinturas modernas.

En 1917, publicó junto con Apollinaire un Album de Sculptures nègres (Álbum de Esculturas negras). En esta obra, al igual que en los artículos que escribía para diversas revistas, el galerista promocionaba el arte africano que coleccionaba. Ese mismo año, Guillaume prestó algunas de sus obras para la primera exposición dadaísta en la galería Corray de Zúrich. Su actividad como marchante también le llevó a desempeñar el papel de asesor y comprador para coleccionistas y galeristas estadounidenses, como Alfred Stieglitz, que organizó la primera exposición de arte africano, titulada «African Savage Art», en su galería 291 de Nueva York, en diciembre de 1914. Del mismo modo, Guillaume le proporcionó al coleccionista estadounidense Albert C. Barnes obras para su fundación. También fue el organizador de la primera exposición dedicada exclusivamente al «arte negro y oceánico» en la galería Devambez, y de la gran «Fête Nègre» (Fiesta Negra) de 1919, que tuvo una repercusión internacional y abrió la vía a la pasión que se desataría en los años 1920 por la cultura negra.

Aunque no fue la única persona que se interesó por el arte extraoccidental, la contribución de Paul Guillaume a su difusión fue innegable y allanó el camino para un cambio radical de paradigma en la forma de percibirlo.

Durante mucho tiempo, el arte africano se ha contemplado a través del prisma del etnocentrismo. Las expresiones «arte Negro» o incluso «arte de los Negros», se deben a una terminología vigente a comienzos del siglo XX, utilizada sobre todo por Apollinaire y Paul Guillaume. Las denominaciones (artes primitivas, artes indígenas, artes extraeuropeas, etc.) evolucionaron a lo largo del siglo XX, y hoy en día, nuestras colecciones se conocen como «artes africanas» o «artes extraoccidentales».

Henri Rousseau, conocido como Le Douanier, fue un incomprendido durante gran parte de su vida y alcanzó finalmente el reconocimiento de las vanguardias como uno de los padres del modernismo en la pintura.

Rousseau, que trabajaba como empleado del departamento de impuestos sobre el consumo de París, lo que le valió el apodo de «Le Douanier» (el Aduanero), fue un pintor autodidacta. Sus temas se inspiraban en los libros, la prensa y las postales, y el artista los enriquecía con su fecunda imaginación y una asidua asistencia al Museo del Louvre.

Su estilo impregnado de ingenuidad fue calificado entonces de «primitivista». Este tuvo un profundo impacto en Pablo Picasso, que por aquel entonces estaba inmerso en el desarrollo del cubismo. En noviembre de 1908, Picasso organizó un banquete en honor de Rousseau en los estudios del Bateau-Lavoir al que asistieron Guillaume Apollinaire, Marie Laurencin, Georges Braque, Max Jacob, André Salmon, Gertrude y Léo Stein.

Paul Guillaume descubrió los cuadros de Henri Rousseau probablemente a través de Apollinaire, que tenía contacto con los círculos cubistas. El marchante adquirió unos cincuenta cuadros del artista, entre ellos algunas obras maestras, como La Noce (La boda) (alrededor de 1905) o La Carriole du père Junier (El carro de Père Junier) (1908).