Exposition au musée

Robert Ryman. Le regard en acte (La mirada en acción)

Hasta el 01 Julio 2024
Robert Ryman (1930-2019)
Untitled, 2011
Pinault Collection
Courtesy David Zwirner. Robert RYMAN © Adagp, Paris, 2023 / Kerry McFate

Le regard en acte (La mirada en acción)

Robert Ryman (1930-2019), pintor estadounidense activo en Nueva York a partir de los años 1950, dedicó la mayor parte de su obra artística a analizar los fundamentos de la pintura. Utilizando lienzo tras lienzo la fórmula del cuadrado blanco, elegido por su neutralidad, Ryman explora todo lo que compone materialmente un cuadro, desde el soporte hasta la superficie, pasando por la iluminación o el sistema de colgado. Destinado inicialmente a una carrera como saxofonista de jazz, Ryman trabajó durante casi una década como vigilante de sala en el Museum of Modern Art de Nueva York. Allí descubrió a los maestros modernos europeos (Claude Monet, Paul Cézanne, Henri Matisse) y las nuevas referencias estadounidenses (Mark Rothko, Jackson Pollock, Barnett Newman) y decidió dedicarse exclusivamente a la pintura.

Pintor de lo que él mismo reivindica, no sin provocación, como una obra «realista», en la medida en que no ofrece ninguna ilusión ni símbolo, el artista continuó sus experimentaciones hasta los últimos años de su vida. Impulsado por las infinitas posibilidades del medio y jugando constantemente con la variación, la visión de Ryman sobre la pintura siempre está en acción. Por tanto, es preciso contemplar la pintura de Ryman como el artista nos insta a hacerlo: una pintura activa, que suscita tanto la mirada del pintor como la de aquellos a quienes se dirige (los visitantes, o más bien los observadores)

Superficie

Robert Ryman pretende ser, ante todo, pintor. Sus primeras exploraciones en el campo pictórico se centraron en las formas de aplicación de la pintura sobre un soporte. Busca y estudia los diferentes efectos provocados por el grosor del material, las variaciones de tonos y el trabajo de la pincelada. Estas experimentaciones marcan las etapas de una búsqueda que el pintor sabe perfectamente que no tiene fin; sin embargo, son pretextos para cuestionar lo que constituye un cuadro y su naturaleza. El uso del formato cuadrado y de la pintura blanca, así como los principios técnicos que rigen la práctica del artista (elección metódica de pinceles, brochas, soportes, etc.), son para él medios para alcanzar una cierta neutralidad y cerrar la puerta a cualquier forma de interpretación.

Cuando Ryman habla de su obra, insiste en el proceso creativo y subraya los aspectos más prácticos de su obra, como el origen comercial de su pintura, el grosor del pincel o las particularidades del soporte utilizado.

Límites

Al cuestionarse sobre los elementos constitutivos de la pintura, Ryman también se interesa por sus límites, ya sean físicos o conceptuales.

Explora regularmente las posibilidades de integración de sus obras en su entorno directo jugando con diferentes formas de presentación: lienzos sin tensar (Adelphi) o sobre bastidor (Concert<strong>), composiciones en varias partes ensambladas (Untitled Triptych) soportes de metacrilato que muestran parcialmente la pared (Arrow).

Llevando aún más lejos este enfoque, desde mediados de los años 1970 intentó hacer visibles los modos de sujeción de sus cuadros, que eligió cuidadosamente por sus propiedades intrínsecas. Poco convencionales, los ganchos metálicos que sobresalían del lienzo o los marcos de papel encerado se unieron a las herramientas del artista.

Al no ocultar ningún aspecto de una pintura, Ryman reconsidera todo lo que forma un cuadro y el espacio en el que se inscribe.

En el espacio

La obra de Robert Ryman adoptó una forma más escultórica en los años 1980. Con el deseo de llevar aún más lejos las nociones tradicionales de la pintura, la desplegó en el espacio (Journal; Factor). El artista, a quien la crítica había asociado con el arte minimalista a partir de los años 1970, se unió a las investigaciones de sus contemporáneos Sol LeWitt y Fred Sandback sobre el contexto de visibilidad de una obra: el espacio en el que se expone es una condición necesaria para su existencia.

Además del modo en que se cuelgan, también se interesó por la integración de su pintura en su entorno. Algunas de sus obras sobresalen ampliamente de la pared permaneciendo fijadas a ella, mientras que otras se presentan horizontalmente. De este modo, destaca elementos olvidados de la pintura, como el canto del cuadro, que trabaja con madera o aluminio para hacerlo más visible.

En lugar de cerrar puertas, su pintura pretende ser una obra abierta en el sentido de que interactúa con el espacio que la rodea, pero también por lo que espera de nuestra mirada.

Iluminación

Más que un pintor del blanco, Ryman es un pintor de la luz. Su iluminación, momento crucial del proceso de creación, hace visible la obra creando sombras o reflejos y resaltando todas las variaciones de la pintura blanca. Las reflexiones del artista sobre la superficie y los límites de la pintura encuentran su culminación en su trabajo con la luz: es la que atrapará la materia, revelará sus relieves o delimitará la sombra de un soporte en la pared.

Así, para Ryman, la luz es tan constitutiva de un cuadro como todos los demás elementos materiales que forman parte de su composición: una obra sólo está completa si está iluminada. Tanto si es natural como artificial, una iluminación suave y uniforme también debe resaltar las obras y las paredes circundantes para integrar plenamente la pintura en su espacio.

Epílogo

Después de casi sesenta años como pintor, Ryman puso fin a su actividad artística en 2011. Entre sus últimas obras, dejó en el taller un conjunto de ocho lienzos sin título, con tonos verdes, naranjas, violetas y grises. Aquí reaparece el color, ausente desde sus primeras experimentaciones en los años 1950.

Estas obras, punto culminante de sus incansables investigaciones sobre los elementos fundamentales de la pintura, abren una nueva perspectiva sobre su trayectoria, pero también sobre la historia de la pintura en general. Las continuas variaciones de un cuadro a otro consolidan la pintura como una disciplina viva, sensible, eminentemente proteiforme, cuyas potencialidades son, más que nunca, objeto de exploración. Quizás aquí se encuentre el vínculo más directo entre las series de las Catedrales o los Nenúfares de Monet y los lienzos de Ryman: una pintura que es el resultado de un enfoque sensible, que suscita tanto la mirada del pintor como la de aquellos a quienes se dirige -una mirada en acción:«Ya sea abstracta o figurativa, eso es la pintura -es lo que hace», comenta Ryman.